El dia nacional del teatro.-a

El Día Nacional del Teatro fue instituido por la ley número 20.153 del 26 de diciembre de 2006 y se fijó para su celebración el 11 de mayo, día del natalicio del director Andrés Pérez Araya.

La iniciativa fue presentada por los senadores Camilo Escalona, Jaime Gazmuri, Pablo Longueira y Pedro Muñoz, argumentando que el teatro chileno "se merece tener una fecha en la que se testimonie su aporte al país y la cultura". La primera celebración se efectuó en mayo de 2007.

Andrés Lorenzo Pérez Araya.​ 

(Punta Arenas, 11 de mayo de 1951-Santiago, 3 de enero de 2002)2​3​ fue un actor, dramaturgo y director teatral chileno, conocido principalmente por la obra La negra Ester y su labor en el teatro callejero.

Biografía

Andrés Pérez Araya nació el 11 de mayo de 1951 en Punta Arenas, hijo de Antonio Pérez Alonso, maestro de herrería en ASMAR de la Armada, y Alicia Araya, dueña de casa. En su infancia tuvo varios problemas de salud, nació con ictericia y tenía problemas hepáticos de la vesícula biliar. Su inquietud religiosa lo llevó a ingresar a la Congregación de la Sagrada Familia, estando en los seminarios de La Serena y Santiago, y de la cual fue expulsado por indisciplina. De adolescente se traslada, junto a su familia a vivir a Tocopilla, puerto nortino. Aquí empieza a potenciar su natural talento creativo y liderazgo; crea el grupo de teatro “ATELIT”, al que dirige, le escribe obras de teatro y las produce. Con este grupo viaja por Antofagasta y Santiago, este es su primer laboratorio creativo. 

Por su particular visión de la vida donde el respeto a los estudiantes, a los trabajadores, a las mujeres y su rechazo a las discriminaciones es elegido presidente del Liceo de Tocopilla, actual Liceo Domingo Latrille Loustauneau. En ese momento, se decidió por la actuación teatral, carrera que estudió en la Universidad de Chile, en dos periodos, entre 1971 y 1973 y después desde 1975 hasta 1977, año en el que se tituló.

En 1972 se casó con la actriz y bailarina Rosa Ramírez, matrimonio que finalizó en 1975; de aquella relación nació, el 11 de septiembre de 1973, su hijo Andrés.

Practicó la danza en el Bim Bam Bum y en el programa de televisión Sábado Gigante.​ Entre 1978 y 1980 fue asistente de Fernando González en el Teatro Itinerante, espacio en el que comenzó su formación en dirección teatral. Luego se independizó para fundar el Teatro Urbano Contemporáneo.

Viajó a Francia, donde en 1982 se integró al Théâtre du Soleil.​ Durante su participación en dicho grupo, actuó en obras como Enrique IV, Ricardo II, La historia terrible, pero inacabada de Norodom Sihanorik, rey de Camboya, La Indiada, entre otras.

Regresó a Chile en 1988, año en que, influenciado por su experiencia en Francia, fundó la compañía teatral Gran Circo Teatro, el día 11 de octubre. Desde esta compañía surgieron obras como Nemesio pela'o que es lo que te ha pasa'o, Popol Vuh, y la más influyente de su carrera, La Negra Ester, que lo catapultó como uno de los renovadores de la escena artística de Chile durante la década de 1990.

También recuperó las bodegas estatales de Matucana, lo que le llevó a conflictuar con el entonces bi-ministro de Vivienda y Bienes Nacionales, Jaime Ravinet, ya que Andrés planteaba que las y los artistas fueran quienes gestionaran el espacio al alero del aparato estatal, sin embargo fue rechazado y desalojado. Hoy ese lugar es el Centro Cultural Matucana 100.

En el año 2000 se le diagnosticó VIH, situación que mantuvo en silencio pese a haber sido un promotor del respeto hacia las personas viviendo con VIH, y defensor de las minorías sexuales; de hecho él declaró abiertamente en varias oportunidades su bisexualidad. El 1 de noviembre del 2001, ingresó en el Hospital San José de Santiago de Chile a causa de neumonía.​ Estuvo en la cama n.º 8, que meses más tarde se haría conocida por haber tenido uno de los índices de muerte más altos de ese hospital, debido a un error en los ductos de aire y oxígeno.​ Pérez falleció el 3 de enero de 2002.

Peter Stephen Paul Brook.-a

(Londres, 21 de marzo de 1925-París, 2 de julio de 2022)​ fue un director de teatro, cine y ópera británico que vivió en Francia desde principios de los años 1970. Fue uno de los directores más influyentes del teatro contemporáneo​ con puestas en escena revolucionarias e innovadoras. Fue galardonado con múltiples premios: Tony, Emmy, Laurence Oliver, Praemium Imperiale, Prix Italia​ y el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2019.

Biografía

Nació en el barrio de Chiswick de la ciudad de Londres, hijo de judíos rusos emigrados al Reino Unido,

Su padre, Simon Brook, era un joven judío lituano, estudiante de Letras que también cursó ingeniería eléctrica, combatiendo en el ardor de la juventud contra el zarismo en las filas de los mencheviques. Fueron años de mucha turbulencia en el imperio ruso lo que luego acabaría en revolución y la constitución de la URSS. Simon Brook llegó a estar encarcelado por sus actividades políticas. Luego contrajo matrimonio con Ida Jansen, una doctora en ciencias, ambos viajaron a Londres al estallar la Gran Guerra con una sola libra en el bolsillo. La familia reorientó sus negocios hacia la industria farmacéutica, creando los Westminster Laboratories, lo que les reportó una buena posición económica. 

Cursó estudios de primaria, primero en el prestigiosos colegio St. George, después en la Westminster School, en la Escuela Gresham (1939), así como en la Universidad de Oxford.5​ Se inclinó muy pronto por el teatro. Hizo su debut como director en 1945, con apenas veinte años, en Birmingham Rep, después de ser descubierto por Barry Jackson. Estuvo casado con la actriz Natasha Parry, con quien tuvo dos hijos, el director Simon Brook y la actriz Irina Brook.

Trayectoria teatral

Sus primeros montajes teatrales fueron aceptados por el público. Entre 1947 y 1950 fue director de la Royal Opera House. Durante los cincuenta, trabajó en muchas producciones en Europa y Estados Unidos y en 1962 regresó a Stratford-upon-Avon para unirse a la recién establecida Royal Shakespeare Company (RSC). Durante los sesenta, dirigió una gran cantidad de producciones para esta compañía. En 1968 participó en el taller teatral de Jean-Louis Barrault. Eso le permitió, por primera vez, trabajar con actores de culturas diferentes a la suya, lo cual le impacto mucho. Jean-Louis Barrault lo invitó a formar parte del Teatro de las Naciones en París. Brook consideraba que el teatro es útil y necesario.

Traslado a París

En 1970 dio un giro radical en su vida y se mudó a París.  Pensó que en el teatro, la investigación debía ser puesta a prueba constantemente en la representación y en la actuación. Sostuvo que el teatro debía poner a prueba la representación constantemente para revitalizarse todo el tiempo que quiera y necesite y en las condiciones que quiera y exija. Esto era algo que una compañía profesional no podía afrontar. Por eso, con Micheline Rozan decidió apartarse de la idea de compañía teatral para explorar el teatro a través de una nueva estructura. Para describir lo que pretendían, les pareció apropiado el término «centro».

Obtuvieron fondos de fundaciones internacionales, de la Fundación Ford y la Fundación Anderson de Estados Unidos, de la Fundación Gulbenkian de Europa y el Festival Shiraz de Irán. El espacio físico lo cedió el gobierno francés. Los actores y actrices provenían de todas partes del mundo. Con una serie de actividades superpuestas fundaron primero un centro de investigación y luego un centro de creación. Con este centro internacional, en el cual convergían las más diversas culturas, emprendió largas giras a países lejanos incluyendo India y Afganistán.

«A mí me parece que el hecho de fundar un grupo internacional nos da la oportunidad de descubrir de un modo enteramente novedoso la fuerza de las diferencias entre la gente y lo saludable que dichas diferencias son.»

En 1972 se fueron de gira por África con unas treinta personas. Estuvieron viajando durante tres meses realizando representaciones en diferentes poblados en Argelia, Nigeria, y lugares donde nunca habían visto un actor ambulante recorriendo el Sahara con un equipo de fotógrafos y filmadores.

Viajó con pequeños grupos, se interesó por la expresión teatral asiática, y luego atravesó África de lado a lado: un reflejo temprano está en su pieza Los ik, de 1975.

Este teatro experimental realizó improvisaciones. Viajaron por África, América y Francia actuando en poblados aislados en le medio del desierto o en poblados con mucha gente, para minorías raciales, niños y ancianos y personas con diversidad funcional. Querían producir cultura, conformar un grupo de experimentación que sirviera de fermento para otros grupos más amplios. Buscaban aquello que otorga vida a una forma de cultura, lo que está detrás de la cultura misma, para lo que consideraba que el actor necesitaba apartarse de los estereotipos de su propia cultura, trabajando al margen de los sistemas básicos de comunicación compartidos basados en palabras compartidas, códigos, hábitos culturales. Buscaban destruir los estereotipos para llegar a formas de expresión en las que el comportamiento del actor sea totalmente impredecible. No se trataba de una síntesis de los intercambios sino del contraste y la diversidad que conduce a la aparición de una creación completamente nueva, donde cada actor mantiene su identidad mientras se mezcla con otros y participa de una creación conjunta enteramente propia y nueva. Creatividad colectiva que, de ser sincera, podría ser percibida por cualquier espectador, una diversidad que sea espejo del público.

Sus mayores éxitos fueron sus originales escenificaciones de obras de Shakespeare —como Romeo, Lear, Timón de Atenas, El sueño de una noche de verano, Medida por medida, o La tempestad (ya en 1968, que rehízo en 1990)— o su experiencia con el Teatro de la Crueldad que culmina con su escenificación de Marat/Sade (1964) de Peter Weiss, o grandes puestas en escena personales, como El Mahabharata (1987).

Su trabajo incluyó, además, obras de Jarry, Chéjov (El jardin de los cerezos), Genet (El balcón) o Beckett (Días felices), creaciones a partir del neurólogo Oliver Sacks, piezas sencillas tomadas del mundo africano (que ha prodigado en los últimos años), óperas de Debussy (Pelleas) o de Bizet (La tragedia de Carmen, 1982).

El ideal expresado en su libro más antiguo y difundido, El espacio vacío, se fue plasmando de muy diversos modos, si bien en sus últimas piezas el despojamiento ha sido radical. Fue un creador que parte del teatro más elemental basado en gestos, decorados, movimientos, diálogos rápidos: Je me rapelle, Woza, Albert, El traje, Warum, warum (2008) y también en una pieza sobre Dostoyevski con mucho texto, El gran inquisidor.

Muchas de sus obras han podido verse en España y además él mismo se ocupó de filmar varias de sus representaciones, lo que le ha acercado al público. Así, con Marat/Sade La tragedia de Carmen, El Mahabharata.

Fue director del Centro Internacional para la Investigación Teatral en París. Sus representaciones se llevaron a cabo en un teatro quemado que él descubrió, al lado de la Estación de París Norte: Les Bouffes du Nord, donde desarrolló su tarea durante cuarenta años, no sin viajar al extranjero con su grupo de actores de las más diversas procedencias (africanos, japoneses, europeos).

Comentario

Peter Brook, uno de los directores de teatro más innovadores del mundo, que perfeccionó el arte de poner en escena poderosos dramas en lugares inusuales, falleció a los 97 años, informó el domingo su representante.

El director británico montó producciones que iban desde versiones desafiantes de Shakespeare a ópera internacional y poemas épicos hindúes. Brook representó obras en gimnasios, fábricas abandonadas, canteras, escuelas y antiguas fábricas de producción de gas en ciudades de todo el mundo. Peter Brook, director inglés:

 “Hoy, en un mundo de conflictos, escuchar es más importante que nunca”

Su producción de 1970 en Stratford de El sueño de una noche de verano de Shakespeare, representada toda de blanco y con un enorme columpio con guirnaldas, le aseguró un lugar en los anales de la historia del teatro. Según Le Monde, Brook, afincado en Francia desde 1974, falleció el sábado en París. Un comunicado de su representante confirmó la muerte el domingo.

Aunque Brook era considerado con admiración en los círculos teatrales, era menos conocido entre el público en general debido a su negativa a someterse al gusto comercial. A menudo rechazaba los edificios teatrales tradicionales en favor del espacio vacío, “por la posibilidad de transformarlo mediante la luz, las palabras, la improvisación y el puro poder de la actuación y la sugestión”.

Más sobre Arte

Su búsqueda de inspiración le llevó a lugares tan lejanos como África e Irán, y produjo una variedad de obras de teatro originales e improvisadas, marcadas por su ojo para el detalle y su enfoque desafiante.

Nacido en Londres el 21 de marzo de 1925, su padre era director de una empresa y su madre, científica. Dejó la escuela a los 16 años para trabajar en un estudio de cine y luego se fue a la Universidad de Oxford y se licenció en inglés y lenguas extranjeras. En 1970 se trasladó desde Reino Unido para trabajar en París, donde fundó el Centro Internacional de análisis Teatral, que reunía a actores y diseñadores de diversas nacionalidades. Brook siguió trabajando hasta los 90 años. “Toda forma de teatro tiene algo en común con una visita al médico. Al salir, uno siempre debe sentirse mejor que al entrar”, escribió en su libro de 2017 “Tip of the Tongue”

Quentin Tarantino (director de cine ) a.-

Carla Nicol Vargas berrios

Quentin Jerome Tarantino (Knoxville, Tennessee, 27 de marzo de 1963) es un director, productor, guionista, editor y actor de cine y televisión estadounidense.

Su carrera comenzó a finales de la década de 1980, cuando escribió y dirigió My Best Friend's Birthday, cuyo guion sería la base del argumento de la película True Romance —Tony Scott, 1993—. En 1992 inició su carrera como cineasta independiente con el estreno de Reservoir Dogs, considerada por la revista Empire como «la mejor película independiente de todos los tiempos». Su popularidad no hizo sino crecer con su segundo largometraje, Pulp Fiction (1994), una comedia negra de historias cruzadas que se convirtió en un enorme éxito de crítica y público. El semanario Entertainment Weekly la designó como la mejor película estrenada entre 1983 y 2008​ y algunos críticos del British Film Institute la han colocado en el número 127 de las mejores películas de todos los tiempos.​ En Jackie Brown (1997) Tarantino rinde homenaje al género blaxploitation.

Seis años después, en la película dividida en dos partes Kill Bill (2003, 2004), ofreció un relato de venganza que aúna tradiciones cinematográficas del cine de kung-fu, artes marciales japonesas, spaghetti western y terror italiano. En 2007 dirigió Death Proof, una de las entregas de Grindhouse junto a su amigo Robert Rodriguez, y dos años después estrenó un proyecto largamente pospuesto y bien valorado por la crítica,Inglourious Basterds, que cuenta una historia ficticia alternativa sobre dos planes para asesinar a los líderes políticos de la Alemania nazi. En 2012 con Django Unchained Tarantino filmó su primer wéstern, centrado en el mundo esclavista del sur de Estados Unidos justo antes de la Guerra de Secesión, y que con una recaudación de 425 millones de dólares se alzó como su película con mayores ganancias en taquilla. Su octavo largometraje, The Hateful Eight (2015), es un wéstern de misterio en el que rinde homenaje a las películas de gran presupuesto de 1960 y 1970 y fue rodado en película de 70 mm.

Cuatro años después, Tarantino volvería a lo grande con Once Upon a Time in... Hollywood (2019). Una historia de crimen y misterio. La historia, tiene lugar en el Los Ángeles de 1969, en el mejor momento de la contracultura hippie. Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), y su doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt), luchan por triunfar en un Hollywood que ya no reconocen, a la vez que los asesinatos de Charles Manson (Damon Herriman) y su Secta se llevan a cabo, y donde Rick tiene una vecina muy famosa... Sharon Tate (Margot Robbie).

El cine de Tarantino ha sido elogiado por la crítica y ha gozado del favor del público general, que lo ha convertido en un éxito comercial. Por ello, ha recibido numerosos galardones, como dos premios Óscar, dos Globos de Oro, dos premios BAFTA y la Palma de Oro del Festival de Cannes. En 2005 la revista Time lo incluyó en su lista de las 100 personas más influyentes​ y el cineasta e historiador Peter Bogdanovich también afirmó que es «el director más influyente de su generación» En diciembre de 2015, Tarantino recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por sus contribuciones a la industria del cine.

Primeros años

Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera.6​ Su padre es de ascendencia italiana (su bisabuelo era originario de Palermo)​ y su madre es de ascendencia inglesa, irlandesa y alemana;7​8​9​ Tarantino ha afirmado que posee ascendencia cheroqui por parte materna, aunque esto no ha sido verificado. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Fue criado por su madre, ya que sus padres se separaron antes de nacer.​ Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, al sur de Los Ángeles, y más tarde al barrio de Harbor City, donde asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita, y tomó clases de teatro.
​ En su barrio había una mezcla de gente de diferentes razas por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares, como por ejemplo las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung-fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70. Asistió a la escuela superior de Narbonne en Harbor City durante un año antes de abandonarla a los 15 años para dedicarse a tiempo completo a tomar clases de interpretación en la James Best Theater Company en Toluca Lake.
Se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y de las recomendaciones a los clientes. Prestó mucha atención a los tipos de películas que le gustaba alquilar a la gente y ha citado la experiencia como fuente de inspiración para su carrera como director. El propio Tarantino ha dicho:

"Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo: no, fui al cine‘".

Carrera cinematográfica

Empezó a escribir junto con Avary y otros amigos, pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de lo difícil que resultaba poder hacer una "película de verdad" para un escritor desconocido como director, escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un solo plató. Pretendía ser una película de 16 mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender leyó el guion de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa "película de verdad".

 Fue Bender quien hizo llegar el guion al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de este lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de coproducirla), Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. Reservoir Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo.
De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de Reservoir Dogs se vendieron enseguida: True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott) y Natural Born Killers (Asesinos natos, re-escrita y dirigida por Oliver Stone en 1993). También le ofrecieron algunos proyectos, como Speed y Men in Black,​ pero prefirió retirarse a Ámsterdam a trabajar en su guion de Pulp Fiction, un collage de ficción interpretado por John Travolta y Uma Thurman estrenado en 1994, que supuso otro éxito para Tarantino y varias nominaciones a premios, de los que consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y el Óscar, Globo de Oro y BAFTA al mejor guion original.
Tras esto dirigió el cuarto episodio de Four Rooms, The Man From Hollywood, un homenaje a Alfred Hitchcock. El resto de episodios de la película fueron dirigidos por Allison Anders, Alexandre Rockwell y Robert Rodriguez. Actuó y escribió el guion de From Dusk Till Dawn, largometraje que dirigió su amigo Robert Rodriguez, y que dio lugar a dos secuelas, en las cuales Tarantino y Rodríguez solo ejercieron como productores ejecutivos.
Su tercera película fue Jackie Brown, en 1997, que escribió y dirigió. Fue una adaptación de Rum Punch, novela de Elmore Leonard. Un homenaje a las películas de blaxploitation, protagonizada por Pam Grier, quien actuó en muchas de las películas del género en los años 70, y que le valió la nominación tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su papel, y el co-protagonista Robert Foster fue nominado al Óscar en la categoría de mejor actor de reparto. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton
Había planeado hacer a continuación una película bélica provisionalmente titulada Inglourious Basterds, pero lo pospuso para escribir y dirigir Kill Bill (estrenada en dos partes, Vol. 1 y Vol. 2), una película de venganza que tomaba elementos de Wuxia (arte marcial chino), Jidaigeki (género cinematográfico japonés) y spaghetti westerns. La protagonista de la película se basó en el personaje (la Novia) y la trama que Uma Thurman y él habían desarrollado durante el rodaje de Pulp Fiction. En 2005 Tarantino fue director invitado en Sin City, película dirigida por Frank Miller y Robert Rodriguez. En ella dirige la escena del coche protagonizada por Clive Owen y Benicio del Toro.

Su siguiente proyecto fue Grindhouse, codirigida junto a Robert Rodriguez y estrenada en 2007. Tarantino dirigió el segmento titulado Death Proof. Su rendimiento en los cines no fue el esperado a pesar de tener una crítica favorable.

A continuación llegó la película Inglourious Basterds, una historia sobre un grupo de soldados estadounidenses en la Francia ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La filmación comenzó en octubre de 2008.​ La película se estrenó el 21 de agosto de 2009 (en Estados Unidos), cosechando críticas muy positivas y llegando al primer puesto de recaudación mundial. Es la película de Tarantino que mayor recaudación ha conseguido tanto en los Estados Unidos como a nivel mundial.

En 2011 comenzó la producción de Django Unchained, una película sobre Django, un ex-esclavo que es rescatado por un cazarrecompensas con el que va a rescatar a su mujer de manos del dueño de una gran plantación. La película surgió del deseo de Tarantino de hacer un spaghetti western en el sur profundo de Estados Unidos, que Tarantino ha llamado un "southern",​ afirmando:

"Quería hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo."

​ Tarantino terminó el guion el 26 de abril de 2011, y se lo entregó a The Weinstein Company.​ Christoph Waltz fue elegido para interpretar a un alemán cazador de recompensas.
​ Para el papel protagonista se rumorearon Will Smith e Idris Elba, pero finalmente Jamie Foxx fue el elegido para hacer de Django.26​ También estaba en el reparto Samuel L. Jackson, como Stephen, un esclavo fiel; y Leonardo DiCaprio en el papel de Calvin Candie, el dueño de la plantación Candyland, principal antagonista en la película. Se estrenó el 25 de diciembre de 2012.

En noviembre de 2013 Tarantino comentó que estaba trabajando en una nueva película, otro western, y que no sería una secuela de Django. El 12 de enero de 2014 se reveló que su título sería The Hateful Eight. Su producción debería de haber empezado en verano de 2014, pero tras filtrarse el guion, Tarantino barajó la posibilidad de no hacer la película y publicar una novela en su lugar. Comentó que el guion únicamente se lo había dejado a unos pocas personas, entre las que estaban Bruce Dern, Tim Roth y Michael Madsen, actores que intervendrían en la película. Se estrenó en Estados Unidos el 25 de diciembre de 2015, y lo hizo en España el 15 de enero de 2016. La historia gira en torno a una ventisca en las montañas de Wyoming y de cómo, huyendo de ella, se encuentran en la misma diligencia un cazarrecompensas, John Ruth "la horca" (Kurt Russell), con su prisionera Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh, nominada al Óscar por este papel); un cazarrecompensas afroamericano, el Mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson) y el supuesto sheriff del pueblo donde se dirigen, Red Rock, llamado Chris Mannix (Walton Goggins). Posteriormente, los cuatro pasajeros y el cochero O.B. Jackson (James Parks) llegan a la Mercería de Minnie. 
El mexicano Bob (Demian Bichir) comenta que la propietaria del local está ausente y él lleva el negocio mientras tanto. De modo que se refugian en el lugar junto con el ya mencionado Bob; un británico llamado Oswaldo Mobray (Tim Roth), que es el verdugo del pueblo; el vaquero Joe Gage (Michael Madsen) y un general confederado, el anciano Sanford Smithers (Bruce Dern). Las tensiones entre los personajes y sus diferentes intereses e ideologías provocarán una helada, sanguinaria y estéticamente tarantiniana, aunque progresiva, reacción en cadena. De entre los actores que forman el reparto, también habría que mencionar a Channing Tatum.

En verano de 2018 empezó el rodaje de su novena película. Estaba prevista para ser estrenada el 9 de agosto de 2019 (cuando se cumplen 50 años de los asesinatos de Charles Manson), pero finalmente se estrenó el 26 de julio de 2019 y el 15 de agosto de 2019 en España. La historia tiene lugar en el Los Ángeles de 1969, en el mejor momento de la contracultura hippie y época de transición entre el Hollywood dorado de los años 50 y 60 al Nuevo Hollywood de finales de los 60 y principios de los 70. Los dos personajes principales son Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) antigua estrella televisiva por la serie western Bounty Law y su doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt), un veterano de guerra. Ambos luchan por triunfar en un Hollywood que ya no reconocen, pero Rick tiene una vecina muy famosa... Sharon Tate (Margot Robbie).
 Con Miramax y The Weinstein Company fuera del mapa por las docenas de acusaciones de abuso y de agresión sexual hacia Harvey Weinstein todas las productoras querían entrar en el proyecto y después de una lucha entre Warner Bros., Paramount Pictures y Sony Pictures, finalmente Sony fue la afortunada. La película muestra tres estratos sociales distintos en la industria de Hollywood. Sharon Tate aun no es una estrella de cine pero está emergiendo como tal, es la estrella emergente y a su vez está casada con Roman Polanski (Rafal Zawierucha), uno de los directores del Nuevo Hollywood mas cotizados del mundo y le rodean grandes estrellas como Steve McQueen (Damian Lewis). Por otra parte, Rick Dalton fue una estrella televisiva con la serie western Bounty Law, además de protagonizar la película bélica Los 14 puños de McCluskey y participar en otros westerns y series. Aunque sigue actuando, participando como villano en episodios de series de televisión como El avispón verde, protagonizada por Bruce Lee (Mike Moh) o FBI.
 Actualmente trabaja en Lancer, dirigida por Sam Wanamaker (Nicholas Hammond) y protagonizada por Wayne Maunder (Luke Perry) en el papel de Scott Lancer y James Stacy (Timothy Olyphant) en el papel de Johnny Madrid. También participa la niña actriz Trudi Fraser (Julia Butters). Aunque su carrera está estancada, sigue viviendo en su mansión de Beverly Hills. Por último, Cliff Booth representa ese grupo de personas que trabajan en Hollywood pero no son estrellas y no viven en Los Ángeles, vive a las afueras en una caravana con su perra Brandy. Otro elemento muy importante de la película es La Familia Manson que el 9 de agosto de 1969 asesinaron a Sharon Tate, así como a su amigo Jay Sebring (Emile Hirsch), Abigail Folger y a Wojciech Frykowski.
 La película ha sido descrita como una carta de amor al cine y a la ciudad de Los Ángeles y como un juego de espejos dentro de la propia industria cinematográfica de la época. Además, la película baila entre la comedia y el drama, además de presentar muchos elementos del spaguetti western y del cine de terror. Otros actores que participan en la película son: Al Pacino como Marvin Schwarz, agente de Rick Dalton; Bruce Dern como George Spahn, dueño del rancho donde vivía la Familia Manson (este papel lo iba a interpretar antes de fallecer Burt Reynolds); Kurt Russell como Randy Brooks, el coordinador de especialistas de El avispón verde; Zoe Bell como Janet, la esposa de Randy; Austin Butler, Mikey Madison y Madisen Beaty como los asesinos Tex Watson, Susan Atkins y Patricia Krenwinkel, respectivamente; Damon Herriman como Charles Manson; Margaret Qualley como Pussycat y Dakota Fanning como Squeaky Fromme, entre otros.


Productor

En los últimos años, Tarantino ha utilizado su poder en Hollywood para dar a películas pequeñas y extranjeras más atención de la que recibirían de otra manera. Estas películas llevan por lo general la etiqueta "Presentado por Quentin Tarantino" o "Quentin Tarantino Presenta". La primera de estas producciones fue en 2001 la película de artes marciales de Hong Kong Iron Monkey, que recaudó más de $14 millones en los Estados Unidos, siete veces su presupuesto.
 En el año 2004 llevó la película china de artes marciales Hero a Estados Unidos. Llegó a alcanzar el #1 de recaudación en su apertura a la taquilla ganando $53.5 millones. En 2006, la última producción "Quentin Tarantino Presenta", Hostel, alcanzó en su fin de semana de apertura el #1 en la taquilla con una recaudación inicial de $20.1 millones. En 2006 presentó Thai Dragon, y también es productor de la película Hostel: Part II (2007). En 2008 produjo Hell Ride (escrita y dirigida por Larry Bishop, que apareció en Kill Bill Vol. 2). También fue productor de la adaptación de la novela de Elmore Leonard, Killshot (donde está acreditado como productor ejecutivo, aunque Tarantino no estuvo asociado con la película a partir de su estreno en 2009). También brindó apoyo a la película El hombre de los puños de hierro, el debut como director de RZA, la cual se estrenó el 2 de noviembre de 2012 en Estados Unidos.
Además, en 1995 Tarantino creó Rolling Thunder Pictures​ junto con Miramax como un vehículo para lanzar o volver a lanzar varias películas independientes y extranjeras. En 1997, Miramax cerró la empresa debido a la "falta de interés" en las películas publicadas. Las siguientes películas fueron publicadas por Rolling Thunder Pictures:​ Chungking Express (1994, dir. Wong Kar-wai), Switchblade Sisters (1975, dir. Jack Hill), Sonatine (1993, dir. Takeshi Kitano), Hard Core Logo (1996, dir. Bruce McDonald), The Mighty Peking Man (1977, dir. Ho Meng-Hua), Detroit 9000 (1973, dir. Arthur Marks), El más allá (1981, dir. Lucio Fulci) and Curdled (1996, dir. Reb Braddock).

Otros proyectos potenciales

Antes de Inglourious Basterds, Quentin Tarantino había pensado en hacer una película sobre los hermanos Vega, que contaría con Michael Madsen y John Travolta retomando sus papeles de Vic Vega (Sr. Rubio) de Reservoir Dogs y Vincent Vega de Pulp Fiction. Sin embargo, en 2007, debido a la edad de los actores y las muertes de ambos personajes en pantalla, afirmó que el proyecto (que tenía la intención de llamarla Double V Vega) "es muy improbable ahora".
En 2009, en una entrevista para la televisión italiana, tras ser preguntado sobre el éxito de las dos películas de Kill Bill, Tarantino dijo:

"No me han preguntado acerca de la tercera", e insinuaba que iba a hacer una tercera película Kill Bill con las palabras "¡La Novia volverá a pelear!". 

Más tarde ese año, en el Festival Internacional de Cine de Morelia, Tarantino anunció que le gustaría hacer la película Kill Bill: Vol. 3. Él explicó que quería dejar pasar diez años entre el último conflicto de la novia, a fin de dar a ella y a su hija un período de paz.

Vida personal

Tarantino se ha vinculado sentimentalmente con la actriz estadounidense Mira Sorvino,37​ las directoras de cine Allison Ander y Sofia Coppola,38​ la actriz Julie Dreyfus39​ y las comediantes Kathy Griffin40​ y Margaret Cho.​ Mantuvo una relación de cuatro años con la actriz australiana de origen turco Didem Erol. También ha habido rumores acerca de su relación con Uma Thurman, a quien se refería como «su musa».​ Sin embargo, Tarantino ha afirmado que su relación es estrictamente platónica.
Tarantino declaró: «No estoy diciendo que nunca vaya a casarme o tener un hijo antes de que tenga 60 años. Pero he tomado la decisión, por ahora, de ir por este camino solo. Este es mi tiempo para hacer películas».43​ También ha declarado que planea retirarse del mundo del cine a los 60 años, para centrarse en escribir novelas y en la literatura cinematográfica. También se muestra contrario al rumbo hacia lo digital de la industria del cine, diciendo:

«Si llega un día en el que no puedas ver películas de 35 mm en los cines y todo sea proyección digital, ni siquiera voy a llegar a los 60»

El 18 de febrero de 2010, Tarantino compró el New Beverly Cinema, un viejo cine de repertorio que data de 1920. Tarantino permitió a los actuales propietarios seguir llevando la sala, pero de vez en cuando hará sugerencias de programación. Tarantino dijo: «Mientras yo esté vivo, y mientras sea rico, el New Beverly estará allí, proyectando películas rodadas en 35 mm».
El 30 de junio de 2017, Tarantino se comprometió con la cantante israelí Daniella Pick. Se conocieron cuando Tarantino se encontraba en Israel promocionando Inglourious Basterds en 2009.46​ Se casaron el 28 de noviembre de 2018 en una ceremonia judía.  En agosto de 2019 anunció que sería padre por primera vez. Tarantino vive con su esposa en Ramat Aviv Gimel, Tel Aviv.

Harvey Weinstein

En octubre de 2017, Tarantino habló en una entrevista para The New York Times sobre las acusaciones por acoso sexual contra el productor Harvey Weinstein, con quien Tarantino había trabajado en la mayoría de sus películas. Tarantino admitió que sabía sobre la conducta de Weinstein por lo menos desde mediados de la década de 1990, cuando su novia en ese entonces, Mira Sorvino, le contó sobre su experiencia con Weinstein.50​ Tarantino criticó su propia falta de acción con respecto a la conducta de Weinstein y admitió que "sabía lo suficiente como para hacer más de lo que hice".​ El autor estadounidense Anthony Bourdain acusó a Tarantino de ser cómplice en los escándalos por abuso sexual de Weinstein.

Roman Polański

En febrero de 2018, se redifundió un audio de una entrevista de 2003 en The Howard Stern Show durante la cual Tarantino defendió a Roman Polański con respecto a su caso de abuso sexual de 1977. Tarantino declaró: "No violó a una niña de 13 años de edad. Fue estupro. Para mí, cuando se usa la palabra violación se habla de violencia". Dijo que la víctima, Samantha Geimer, estaba "dispuesta a enfiestarse con Roman" y "quería hacerlo"
Después de que esas declaraciones se difundieron masivamente, Tarantino pidió disculpas y declaró: 

"La Srta. Geimer fue violada por Roman Polański. Cuando Howard mencionó a Polański yo hice incorrectamente del abogado del diablo en el debate solo para ser provocativo... Así que, Srta. Geimer, fui un ignorante e insensible, y sobre todo, incorrecto."

Influencias y estilo

Robert Rodríguez y Tarantino en el año 2007.
 Ambos han colaborado en varios filmes

Tarantino ha creado un estilo propio y único, que combina los estilos de sus géneros favoritos, haciendo de él uno de los más puros Auteurs recientes. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista: por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns de Sergio Leone. Tarantino es el primero en decir que está fuertemente inspirado en la trama y en el estilo por sus películas favoritas; y logra rendir homenaje a estas, pero aun así sus películas tienen un toque único y propio. La música también es una parte muy importante de su estilo de filmación, y ha sido reconocido por ello con el premio Music and Film en los Critics' Choice Awards en 2011.
En 2002, en la encuesta de directores de la revista Sight & Sound, Tarantino reveló sus doce películas favoritas: El bueno, el feo y el malo; Río Bravo; Taxi Driver; His Girl Friday; El expreso de Corea; Todos rieron; The Great Escape; Carrie; Coffy; Dazed and Confused; Five Fingers of Death; y Casados sin casa.​ En 2009 afirmó que la película de acción de Kinji Fukasaku Battle Royale era su película favorita de las estrenadas desde que se convirtiera en director en 1992.
En agosto de 2007, mientras impartía un curso de cine de cuatro horas durante el 9º Festival Internacional de Cine de Cinemanila en Manila, Tarantino citó a los directores filipinos Cirio Santiago, Eddie Romero y Gerardo de León como iconos personales de la década de los 70,58​ citando las películas de vampiros y de la esclavitud en las mujeres de De León, especialmente la película Woman in cages, y describió la escena final como una "desesperación devastadora".
El actor Steve Buscemi ha descrito el estilo de Tarantino a la hora de hacer cine como "lleno de energía" y "concentrado",​ un estilo que le ha granjeado muchos elogios en todo el mundo. Sobre el humor, Tarantino ha dicho:

 "Una de las cosas que intento hacer [en mis películas] es conseguir que la gente se ría de cosas que no son graciosas. No estoy diciendo que lo escriba como una comedia, pero ahí hay risas"

Cuando le preguntaron si es posible aprender a hacer cine y dirigir películas simplemente viendo películas y sin estudios formales, respondió:
Sabes, es gracioso, para mí la mayoría de las escuelas de cine no te enseñan lo que necesitas para crear tu propia estética, tu propio estilo. Y en realidad parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo. Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de edición o "Oh, puedes hacer esto con una cámara" y te mostrarán algunas películas. Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas "me gusta esto, pero no me gusta esto otro...".

 Pero luego empiezas a darte cuenta de la diferencia entre un buen trabajo y un mal trabajo, no solo "me gusta esto, pero no me gusta esto otro...". Y entonces comienzas a afinar tu estilo, y ya solo es ponerlo en práctica.

Epítetos raciales

Spike Lee cuestionó el uso de Tarantino de epítetos raciales en sus películas, sobre todo el epíteto racial ofensivo "nigger" (negrata). En una entrevista a Variety sobre Jackie Brown, Lee dijo:

 "Yo no estoy en contra de la palabra, y la uso, pero no excesivamente. Y alguna gente habla así, pero Quentin está enamorado de la palabra. ¿Qué es lo que quiere? ¿Que le hagan negro honorario?".​ 

Tarantino respondió en el talk-show de Charlie Rose afirmando:

Como escritor, exijo el derecho a escribir cualquier cosa en el mundo que quiera escribir. Exijo el derecho a ser ellos, exijo el derecho a pensar en ellos y exijo el derecho a decir la verdad de como los veo, ¿de acuerdo?. Y decir que yo no puedo hacer eso porque soy blanco, pero los hermanos Hughes pueden hacerlo porque son negros, eso es racista. Ese es el corazón del racismo. Y yo no acepto eso ... Es como un segmento de la comunidad negra que vive en Compton, que vive en Inglewood, donde transcurre la acción de Jackie Brown, que vive en Carson, así es como ellos hablan. Estoy diciendo la verdad. No se cuestionó si yo era negro, y me molesta que me lo pregunten porque soy blanco. Tengo derecho a decir la verdad. No tengo derecho a mentir.
Samuel L. Jackson, quien ha aparecido en películas de ambos directores, defendió el uso de la palabra por parte de Tarantino, y también afirmó estar cansado de que Lee actuara como si fuera un cargo electo y pudiera hablar en nombre de toda la gente negra.62​ En el Festival de Cine de Berlín, donde Jackie Brown se estaba exhibiendo, Jackson respondió a las críticas de Lee, diciendo:

No creo que la palabra resulte ofensiva en el contexto de esta película ... Los artistas negros piensan que son los únicos autorizados a usar la palabra. Bueno, eso es una tontería. Jackie Brown es un homenaje maravilloso a las películas de blaxploitation. Es una buena película, y Spike lleva años sin hacer una buena película. Si yo digo la palabra, está bien, pero porque Tarantino la ha escrito, ¿ya no está bien?​
Tarantino ha defendido su uso de la palabra, con el argumento de que las audiencias negras tienen una apreciación de las películas blaxploitation, que tanto le influyeron, que escapa a algunos de sus críticos, y, de hecho, que Jackie Brown, se hizo principalmente para "público negro"
Según un artículo de la revista Premiere en 1995, el actor Denzel Washington también se enfrentó con Tarantino debido al uso de insultos raciales en sus películas, aunque añadió que le consideraba un "gran artista".

Konstantín Stanislavski.-a

Carla Nicol Vargas berrios

Konstantín Stanislavski (en ruso, Константин Станиславский; Moscú, 17 de enero de 1863-ibidem, 7 de agosto de 1938) fue un actor, director escénico y pedagogo teatral ruso, creador del método interpretativo Stanislavski y cofundador del Teatro de Arte de Moscú. Su nombre completo era Konstantín Serguéievich Alekséiev.

Biografía 

Nació en una familia que formaba parte del iluminado círculo de industriales protectores de artes. Segundo hijo de un magnate del ramo textil y nieto de la actriz francesa Marie Varley, empieza a temprana edad su educación teatral y musical. Stanislavski nace cuando se está produciendo una explosión de la actividad artística. En el hogar Alekséiev, circulaban representantes de la cultura rusa: Pável Tretiakov, fundador de la galería nacional de arte; Savva Mámontov, célebre mecenas, fundador de un teatro lírico privado; el editor Sabanichkov; el gran industrial Savva Morózov, «amateur» que prestó una enorme ayuda material en el momento de construirse el teatro de Moscú. La verdadera pasión de la familia era el teatro; desde el circo al Teatro Bolshói.

A los siete años, hace su primera escenificación en una serie de tableaux vivants, organizado por su gobernanta en conmemoración del cumpleaños de su madre.

En 1877, a los catorce años, el padre de Stanislavski, en respuesta al gusto de sus hijos por el teatro, transforma un granero de su casa de campo en Liubímovka, en una pequeña sala de teatro.

En septiembre del mismo año, la familia forma la compañía de teatro amateur, el Círculo de Alekséiev, formado por hermanos, primos y algunos amigos, donde Stanislavski hace su debut como actor. Allí interpretan operetas rusas y vodevils, que eran puestos en escenas cómicas, dirigidas por tutores. La primera presentación es dirigida por el matemático y actor aficionado, Lvov, el cual inculcó en su pupilo la pasión por el teatro

Stanislavski participa en producciones semiprofesionales con miembros del Teatro Maly, aprendiendo sobre actuación con ellos. El Teatro Maly, a lo cual llamaba de su ‘universidad’,​ abrazaba las ideas de veracidad y de la actuación natural, articuladas por Mijaíl Aleksándrovich Schepkin. Este teatro ejerce una influencia en el desarrollo del sistema de Stanislavski.

Entre 1877 y 1906 inicia su búsqueda sobre la actividad del actor y sobre el personaje. Con apenas catorce años empieza a registrar en un cuaderno, sus impresiones, analizando sus dificultades y esbozando soluciones. Continua esta práctica durante toda su vida, por lo que esos cuadernos abarcan sesenta y un años de su actividad.

Más tarde, una de las habitaciones más grandes de la casa de Moscú de los Alekséiev es convertida en teatro. En ella, Stanislavski, sus hermanos y hermanas ponen en escena, entre otras cosas, el estreno ruso de Gilbert y Sullivan, El Mikado. Las producciones generalmente recibían crítica favorable en la prensa.

En 1881, empieza a trabajar en los negocios de su padre, pero no deja de perseguir sus intereses. Moscú, en aquel entonces, era un grande centro musical, con artistas del porte de Chaikovski. Stanislavski decide ser un cantante de ópera tomando clases en el Teatro Bolshói Fiódor Komissarzhevski. Pronto abandona los estudios de canto por un problema en la voz, pero mantiene su pasión por la música durante su carrera, posteriormente dirigiendo ópera y enseñando su sistema a los cantantes de ópera.

En 1895, buscando ser un actor profesional, va a la Escuela de Teatro de Moscú, pero la deja después de tres semanas, decepcionado con el nivel de formación que ofrecía la institución. Para él todo lo que enseñaban se reducía a imitar los viejos trucos de actuación

Para él, nadie parecía capaz de definir la naturaleza del proceso de actuación. En abril de 1885, escribe en su diario una "gramática" de la actuación.
En 1888, visita el Conservatorio de París para ver como la actuación era enseñada allá. En este viaje conoce a un actor polaco a punto de retirarse llamado Stanislavski, cuyo nombre adoptó para trabajar bajo este seudónimo, y poder realizar sus experimentos teatrales con mayor libertad.

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En el mismo año conoce a María Petrovna Perevóschikova (que actuaba bajo el seudónimo de María Lílina, ru:Мария Лилина), en la escenificación de una comedia para recaudar fondos para caridad. Un año después se casan. Ella fue su esposa por toda la vida, dándole soporte en el desarrollo de su trabajo.



Sociedad de Artes y Letras

De vuelta en Moscú, cofunda la Sociedad de Artes y Letras y es nombrado su director. Se trataba de una agrupación profesional sin teatro propio, cuyo objetivo era reunir a profesionales de los distintos campos del arte y presentar regularmente espectáculos para los socios, ofreciéndoles un repertorio de una calidad superior a lo que era habitual en el teatro ruso de finales del siglo XIX. La Sociedad le da la oportunidad de trabajar con directores y actores que habían sido entrenados en la escuela realista del Teatro Maly, especialmente Glikeria Fedótova que había sido pupila de Mijaíl Schepkin, y de su marido Aleksandr Fedótov. Stanislavski se despoja de todos los clichés, los trucos teatrales falsos, basando su actuación en la observación de la vida real, en el comportamiento real, no teatral. Es a partir de Fedótov, también, que Stanislavski aprende el concepto del teatro popular, aquel que trae lo mejor del repertorio de las masas a precios asequibles. Esto se convirtió en uno de los objetivos fundamentales del futuro Teatro de Arte.
Stanislavski subsidia la Sociedad con su propia fortuna personal. Actúa en clásicos como el del dramaturgo francés Molière, Georges Dandin, y del escritor romántico ruso Aleksandr Pushkin, El avaro caballero, ganando una valiosa experiencia en la actuación y en la dirección de profesionales experimentados que estuvieron involucrados con la Sociedad.​
Una influencia significativa en la manera como Stanislavski pensaba sobre el teatro es la famosa compañía de actuación ‘’Duque de Saxe-Meiningen’’, que en una gira en 1885 se presenta en Moscú trayendo un nuevo tipo de teatro. En la segunda gira, en 1889, Stanislavski no pierde un solo espectáculo. La compañía representa clásicos, como Shakespeare y Schiller, con rigor histórico meticuloso en lo que dice respeto al escenario, indumentaria, diferente de lo que ofrecía la mayoría de las salas de teatro. Los métodos del director de la compañía, Ludwig Chronegk inspiran Stanislavski, y en 1892 lleva a cabo su primera gran producción en la Sociedad de Artes y Letras —una nueva obra de León Tolstói, Los frutos de la ilustración—. Además de dirigir, actúa un número de papeles importantes en los años siguientes, incluyendo los papeles principales en Otelo de Shakespeare y en Uriel Acosta, obra de Karl Gutskov acerca de la comunidad judía del siglo XVII. Stanislavski ya era uno de los principales actores y directores de su generación.
En 1897, la Sociedad de Artes y Letras goza de gran reputación por la creatividad en el enfoque y por el realismo de sus producciones. Era constantemente comparada al Teatro Maly. Stanislavski decide que había llegado el tiempo para crear una compañía profesional.


Teatro de Arte de Moscú

Mientras hacía planes para su nueva compañía, en la primavera de 1897 es invitado a una reunión por Vladímir Nemiróvich-Dánchenko, un respetado dramaturgo y director escénico que estaba al frente de la escuela teatral en la Sociedad Filarmónica de Moscú, agrupación de características similares a la que dirigía Stanislavski. Del encuentro, en Moscú con Nemiróvich-Dánchenko salen a la luz las bases de la reforma teatral rusa del 1900 que durará hasta la muerte de Stanislavski en el 1938
La reunión tuvo lugar en el restaurante moscovita Bazar Eslavo y duró catorce horas, dando como resultado la unión de las dos agrupaciones en una sola, codirigida por ambos directores y que ostentaría el nombre de "Teatro de Arte de Moscú Asequible para Todos" nombre inicial. Junto a Nemiróvich-Dánchenko funda en el 1898 el Teatro de Arte de Moscú y durante los años de su carrera interviene activamente en debates sobre el teatro y escribió numerosos comentarios a los trabajos y obras que se metían en escena.
Nemiróvich-Dánchenko comparte la insatisfacción de Stanislavski con el estado del teatro ruso. Ambos rechazaban el teatro de la época y querían crear un nuevo tipo de teatro, con un nivel alto de actuación y producción. Querían que fuera un teatro popular, con los precios de billetes asequibles. El objetivo era de que el teatro fuera también una herramienta de educación.4​ Los dos hombres llegan a conclusiones idénticas sobre las reformas que eran necesarias para fundar un teatro de alta categoría: es primordial la importancia de la elección del reparto de actores que, además de sensibilidad, demuestren una norma de vida y una seriedad de propósitos nobles y dignos; el teatro debe ofrecer condiciones y comodidad para mayor bienestar de los actores, pues pensaban que aquel que se dedica al teatro debe ser un ejemplo de higiene mental y física.
Años después, Stanislavski definió los presupuestos teóricos de la nueva compañía de la siguiente manera:

 «Nuestro programa era revolucionario; nos rebelamos contra el antiguo estilo interpretativo, la afectación y el falso patetismo, contra la declamación y la exageración bohemia, contra el erróneo convencionalismo en la puesta en escena y en los decorados, contra el star-system, que arruina el conjunto, y la mediocridad del repertorio».​

Stanislavski pretendía elevar el nivel del en su mayoría superficial y chabacano teatro ruso, y eliminar malos hábitos fuertemente arraigados en los actores y elevar su dignidad profesional. Para ello decidió aumentar el número de ensayos y reducir el de estrenos, que en algunas compañías llegaban a treinta y cinco en una sola temporada
Entre octubre de 1898 y diciembre de 1899, el Teatro de Arte estrena dieciocho montajes. Si el primer espectáculo (El zar Fiódor Ioánnovich, sobre Teodoro I de Rusia, de Alekséi Konstantínovich Tolstói) le asegura a la compañía un público incondicional, el octavo (La gaviota de Antón Chéjov), estrenado el 17 de diciembre de 1898, le permite adquirir el sentido de su identidad y un estilo de conjunto.
El espectáculo es ensayado durante ochenta horas y tuvo tres ensayos generales: un tiempo sin precedentes para una obra con tan pocos personajes. La puesta en escena de La gaviota tiene un gran éxito durante el estreno y ante la crítica teatral pero resultó ser un fracaso en términos económicos. En la temporada 1898/1899, el espectáculo se representó diecinueve veces; en las siguientes tres temporadas, trece veces. Fue repuesto en 1905, con once funciones, y desapareció de la cartelera del Teatro de Arte hasta un nuevo montaje (1960). Sin embargo, el trabajo en la puesta en escena de La gaviota lo condujo a Stanislavski al descubrimiento del concepto de subtexto.
A partir de la primera temporada, salvo raras ocasiones, el favor del público y de la crítica acompañaron a las producciones de Stanislavski y Nemiróvich-Dánchenko, que pusieron en escena, entre otras, obras de Shakespeare, Ibsen, Gorki, Chéjov, Turguénev, Tolstói, Moliére, Goldoni, Hauptmann, Gógol, Maeterlinck. Además de dirigir Stanislavski interpretó entre otros personajes a Vershinin (Tres hermanas), Ástrov (Tío Vania), doctor Stockmann (Un enemigo del pueblo), Argan (El enfermo imaginario), Rakitin (Un mes en el campo), Julio César y Otelo.
Stanislavski ahora había alcanzado un dominio técnico que le permitió jugar una amplia gama de funciones. Su habilidad como director y su habilidad para encontrar soluciones imaginativas a los problemas de la puesta en escena era inigualable.

María Lílina, la mujer de Stanislavski, realizó muchas actuaciones en el Teatro de Arte de Moscú y era también una actriz muy aclamada, además de participar en las investigaciones de actuación de Stanislavski. Otras figuras importantes del Teatro de Arte de Moscú son Olga Knipper, que se casó con Anton Chéjov en 1901, y Vsévolod Meyerhold, el único discípulo reconocido por Stanislavski, (lo cual declara como su sucesor en todo) que se convierte en el director líder de la avant-garde del periodo de revolución en Rusia.


Después de la creación del sistema Stanislavski

Paralelamente a su trabajo como director y actor, Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado "método de las acciones físicas", conocido también como "sistema Stanislavski". La semilla del sistema de Stanislavski surge de una crisis personal del director y autor. En 1906, después de ocho años de esfuerzo creativo sin tregua, la muerte de Chéjov y el suicidio de su amigo cercano, Savva Morózov, patrono del Teatro de Arte de Moscú, después del fracaso de la revolución de 1905, Stanislavski deja de sentirse creativo como actor. Sentía que se había convertido en mecánico, una cáscara vacía, basándose en la técnica externa, pero sin sentimiento interno real y, sin sentimiento, el actor no tiene nada esencial para comunicar al espectador.
En el verano de 1906, se va de vacaciones a Finlandia y lleva todos sus cuadernos con apuntes y los utiliza para escribir un proyecto de manual de actuación. El “manual” que vendría a ser el "sistema" era un análisis de la práctica, por lo que Stanislavski había observado en los grandes actores y también en sus propias actuaciones, principalmente en sus fracasos.

​ El Sistema Stanislavski consiste básicamente en hacer que el actor experimente durante la ejecución del papel emociones semejantes, parecidas a las que experimenta el personaje interpretado; para ello se recurre a ejercicios que estimulan la imaginación, la capacidad de improvisación, la relajación muscular, la respuesta inmediata a una situación imprevista, la reproducción de emociones experimentadas en el pasado, la claridad en la emisión verbal, etc. Su método para la formación del actor se basaba sobre el profondimiento psicológico del personaje y sobre la búsqueda de afinidades entre el mundo interior del personaje y aquel del actor. Los resultados de sus estudios fueron compilados en varios volúmenes.

Sus nuevas ideas y métodos no son aceptados de inmediato en el Teatro de Arte o en la profesión de actor, en general. A pesar de haber demostrado la eficacia del "sistema" en dos grandes producciones, Un mes en el campo (1909) y Hamlet (1911), se mantuvo en gran medida como una figura aislada.
Sin embargo, en 1911, el "sistema" es declarado como el método de trabajo oficial del Teatro de Arte de Moscú, pero esto no era más una concesión para prevenir que Stanislavski abandonara el teatro. Nemiróvich-Dánchenko era, de hecho, hostil a las nuevas ideas de Stanislavski así como los actores que se consideraban profesionales establecidos y que no necesitaban más formación.
Como resultado, entre 1912 y 1924, Stanislavski crea una serie de estudios en los que podía enseñar sus métodos a una generación más joven y más receptiva. El "sistema" es enseñado por primera vez en el First Studio, básicamente en la forma en que lo conocemos hoy.
Alumnos de Stanislavski, como Yevgueni Vajtángov, Mijaíl Chéjov y Richard Boleslawski, ejercerían una influencia considerable en el teatro fuera de Rusia, en particular en los Estados Unidos, durante cuarenta años subsecuentes.
Después de la Revolución Rusa, el Teatro de Arte de Moscú es atacado por la extrema izquierda como una institución de la época pasada. De 1922 a 1924, el teatro va en gira a París y Estados Unidos, donde las producciones de Stanislavski tienen un importante impacto. Es en esta época que Richard Boleslawski da, con el permiso de Stanislavski, una serie de conferencias sobre el "sistema". A partir de entonces, Boleslawski pasa a representar el “sistema” en Estados Unidos y entre sus alumnos está Lee Strasberg.
A su regreso, Stanislavski se encuentra como el único responsable por el Teatro de Arte de Moscú, porque Nemiróvich-Dánchenko estaba en una gira que duró dos años. Del 1925 al 1927, bajo su dirección, Stanislavski relanza el Teatro de Arte de Moscú bajo los moldes soviéticos. Con producciones que van desde Las bodas de Fígaro de Beaumarchais hasta El tren blindado 14-69 de Vsévolod Ivánov, así como algo más controvertido como Los días de los Turbín adaptado de la novela La Guardia Blanca de Mijaíl Bulgákov. El "sistema" a esta altura se había convertido en el método de trabajo del Teatro de Arte y Stanislavski enseñaba a una nueva generación de actores y directores.
En la celebración del 30º aniversario del Teatro de Arte de Moscú, en 1928, Stanislavski sufre un ataque cardíaco en el escenario, lo que efectivamente puso fin a su carrera como actor. Pasa dos años convaleciente en Alemania y Francia, cuando empieza a redactar El trabajo del actor sobre sí mismo.
Desde el verano de 1906 se había hecho varios proyectos de posibles libros, probando varios formatos, incluyendo la novela, y los había abandonado todos. A pesar de haber dado una serie de charlas sobre el "sistema" para los cantantes en el Estudio de Opera del Teatro entre 1919 y 1922, estaba convencido de que la exposición directa de la teoría no era la mejor forma de atraer a los actores. Finalmente se decide por un formato que parecía más entretenido: como un diario escrito por un estudiante en formación, el relato de las experiencias de su día a día. En este tiempo que pasa en el extranjero, se reúne con Elizabeth Hapgood, que le había servido de intérprete en Washington durante la gira americana. Ella y su marido son los responsables de la traducción y publicación en los EE. UU. de sus libros
De vuelta a Rusia, en 1933, con el libro aún incompleto, Stanislavski trabaja casi exclusivamente en casa, ensayando con actores para nuevas producciones, redactando sus libros y, a partir de 1935, trabaja con jóvenes actores y directores en el Estudio de Ópera del Teatro Bolshói, donde enseña sus ideas más recientes.
Muere en agosto de 1938 después de haber enseñado sólo tres años de los cuatro años de curso que había planeado. El trabajo es finalizado por ayudantes que siguen las directrices que habían sido previstas.
Fue nombrado miembro de la Academia de Ciencias de San Petersburgo en 1917 y "Artista del Pueblo" en 1936.

Legado literario de Stanislavski

Además de dejar numerosas notas y apuntes, que han sido publicados tras su muerte, escribió dos libros: Mi vida en el arte y El trabajo del actor sobre sí mismo El trabajo del actor sobre sí mismo, cuya primera parte concluyó en 1937.
Mi vida en el arte (publicado por primera vez en Estados Unidos, 1924) el autor traza en modo inigualable el cuadro de la vida teatral moscovita de casi medio siglo. No es una biografía tal como conocemos. Es un el resultado del sistema a partir de un análisis de la propia carrera de Stanislavski. Se utiliza de elementos biográficos para demostrar el origen y evolución de sus ideas.
El trabajo del actor sobre sí mismo, en general, se trata de una suma del trabajo de Stanislavski entre 1906 y 1914, cuando hizo hincapié en el proceso interno, en la psico-técnica.

En 1957 se publica póstumo su libro El trabajo del actor sobre el personaje, que aborda la caracterización física de los actores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.

Fuente

Juan José Campanella (director de cine ) a.-

Carla Nicol Vargas berrios

(Buenos Aires, 19 de julio de 1959) es un director de cine y televisión, guionista y productor argentino. Una de las películas que dirigió, El secreto de sus ojos, ganó el premio Óscar como Mejor película de habla no inglesa en 2010.

Juan José Campanella es conocido sobre todo por su carrera en cine como director y guionista en las películas El mismo amor, la misma lluvia (1999), El hijo de la novia (2001), Luna de Avellaneda (2004), El secreto de sus ojos (2009) y Metegol. También fue uno de los productores y supervisores de la película Belgrano (2010), dirigida por Sebastián Pivotto.

El hijo de la novia fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, al igual que El secreto de sus ojos, que recibió el premio en 2010.​ Esta película, por otra parte, fue adaptada en 2015 con el título Secret in Their Eyes.

En televisión ha sido creador, director y guionista de las series Vientos de agua (2006), El hombre de tu vida (2011-2012) y Entre caníbales (2015). También ha trabajado en varios programas educativos y sociales para el canal Encuentro del Ministerio de Educación. En Estados Unidos ha dirigido algunos capítulos de series como Law & Order: Special Victims Unit, House M. D. y Halt and Catch Fire.

Es también director de la productora de cine y televisión 100 Bares. Campanella suele trabajar con los mismos actores, entre ellos Ricardo Darín, Eduardo Blanco, Héctor Alterio, Soledad Villamil, Guillermo Francella y Pablo Rago.

Reconocimientos

En 2006 le fue otorgada la nacionalidad española por carta de naturaleza, una concesión especial de España a personas de particulares méritos. En 2014 fue homenajeado en la Cámara de Diputados de la Nación Argentina por su trayectoria.

Juan José Campanella es un “viejo conocido" en el mundo de las series en los Estados Unidos, incluso desde mucho antes de llevarse el Oscar por la película argentina El secreto de sus ojos allá por 2010. Dr House, Colony y La ley y el orden fueron algunas de las ficciones de las que participó como director a lo largo de dos décadas. El próximo 19 de mayo, a las 21, Universal TV estrena el último episodio de La ley y el orden UVE (Unidad de víctimas especiales), que dirigió Campanella en la ciudad Nueva York, antes de la llegada de la pandemia del COVID-19. Aunque la serie iba a contar con 24 episodios, la cuarentena como nueva forma de protección ante el avance del coronavirus hizo que la ficción se acortara y terminara en el capítulo 20, que cuenta con el argentino detrás de cámara. En una entrevista con Teleshow, Campanella habló acerca de los secretos de esta serie, una de las más longevas en la televisión, pero también se refirió a la crisis de los actores y si se reuniría con el presidente, Alberto Fernández. —¿Cuál es el secreto para que La ley y el orden: UVE esté al aire luego de 20 temporadas? Digamos que fue una ficción que se supo reinventar porque no es habitual ver series tan largas…. —Totalmente. Generalmente las series a los 5 o 6 años se empiezan a plantear cómo mantenerla “viva” y después se va al tacho, los personajes empiezan a ser delirantes, a exagerar sus características, ya no te crees las cosas que les pasan. Se tornan poco creíbles. Lo que pasa es que en La Ley y el Orden el énfasis estuvo siempre en las víctimas, no en los policías y esto provocó dos cosas: una que tuvieran espacio para crecer en la historia personal de los policías, y por otro lado, que los invitados, que hacen de víctima,s terminen siendo protagonistas. Entonces eso también le permite mantenerse fresca a la serie, porque cambia la sociedad y cambian los temas, la aproximación a las temáticas sociales.  Ahora Mariska Hargitay (actriz que interpreta a Olivia Benson, protagonista actual de la serie) es la jefe, la comisaria y en los primeros capítulos era una agente normal. Ahora ya fue madre, tanto en la serie como en la vida real, trata a las víctimas de diferente manera. Yo estoy participando en la serie desde el 2001, antes la temática era agarrar el asesino y terminar el capítulo. Ahora el énfasis está puesto en las repercusiones y las consecuencias que tiene un crimen de género, que son los que trata la serie: se centra en las víctimas, si se animan a contar lo que les pasa a sus familias, habla sobre lo que pasa en la sociedad, el apoyo que se les puede dar... Realmente está buenísima y ha trascendido al género, lo que en inglés se llama “procedural”, sobre cómo la policía encuentra al asesino. En cambio ahora es una serie dramática, humana, donde encontrar al enemigo es fácil. —Me imagino que con el impacto del Covid-19 se deben estar pensando alternativas o protocolos de grabación dentro de la industria… —Justamente estuve hablando con el showrunner de la serie y le decía “¿cómo vamos a incorporar la pandemia ahora? ¿Van a ir con barbijos a hacer interrogatorios?” Y bueno, esta serie va viviendo junto con la sociedad todos los cambios y a su vez los va incorporando a la trama. Incluso tenía personajes que venían de una sociedad más machista y personajes del patriarcado como el de Ice-T y se fueron adaptando. Es uno de los cambios sociales más importantes de los últimos diez años, el de las cuestiones de género, es te diría “El cambio" de esta época. —Y en cuanto a la pandemia, ¿podríamos afirmar entonces, por ejemplo, que se acabaron los besos en las ficciones? —En ese sentido está toda la industria pensando cómo se va a hacer. Cómo van a ser los protocolos, cómo vamos a filmar. La verdad que con toda la vida en suspenso, que tenemos todos, creo que cómo se va a firmar es una de las últimas preocupaciones. Depende de si nos van a testear todos los días al entrar a grabar. En un momento estaban diciendo que tal vez, para una película, se podría llevar a todo el elenco y al equipo a un hotel y que no vean a nadie, pero eso realmente es como una tortura. Y eso podría llegar a funcionar para el cine pero para una serie, que tenés diez capítulos por año, es una locura. Mirá, cuando estaba grabando este capítulo en Nueva York, una actriz me sacó una foto, yo estaba tirado en el piso, en un parque al lado de la municipalidad, todo roñoso... Ahora no me tiro al piso ni loco, me tenés que vestir de astronauta. —De hecho muchas películas que se iban a estrenar en las salas de cine han decidido pasar primero por las plataformas de streaming —¡Yo creo que no voy a ir al cine hasta que no tenga 10 vacunas encima! Es una tremenda decisión. Depende de las ambiciones de la película, si la película va por el Oscar o el prestigio, pueden hacer un buen arreglo en streaming. Por ejemplo, yo una de James Bond la quiero ir a ver en el cine, las de Marvel, que deben tener 10 en la lata, supongo que esperarán… son películas de 10 palos… El cine por lo menos tiene el streaming, pero lo del teatro es tremendo. Nosotros estamos construyendo un teatro en Buenos Aires y nos sabemos qué va a pasar. Estoy igual que vos y que todos con la misma incertidumbre. Para no angustiarme, hago un esfuerzo en no pensar. Miro películas con mi hijo, cocinamos. Es tan poco lo que uno puede hacer... Estar viendo el conteo de muertos es insano prácticamente. Yo sufro de alta presión, gastritis y me tengo que cuidar también. Sin duda todos estos temas se van a incorporar en las series en el futuro. Según su testimonio al programa de TN Solo una vuelta más, el cine, la televisión, los teatros y los conciertos se encuentran entre las diez industrias más importantes de los Estados Unidos, e involucran el trabajo de millones de personas. En estas circunstancias, explicó, la industria se divide en dos: las actividades que son en vivo (shows musicales, teatro y también el cine, ya que mucha gente va a verlo a la sala) y las que no (la televisión). En ese sentido, señaló:  “Para la televisión todos sabemos que va a haber mucha demanda. En casos como La ley y el orden ya están los decorados armados y están todos esperando para ir a trabajar. La parte económica es muy preocupante. En Estados Unidos tienen la tasa de desocupación más alta de la historia, hay 36 millones de estadounidenses sin trabajo. La otra cosa es el cine y el teatro: eso es más lo mío. Estoy construyendo un teatro con mis socios y nos preocupa mucho qué es lo que va a pasar: ¿quiénes van a ser los primeros que se animen a ir cuando se levante la prohibición?” Precisamente, sobre el futuro de la industria audiovisual, vaticinó: “Seguro que se van a poder filmar series, lo que está más en duda es el cine porque nadie va a empezar a producir si no se tiene la seguridad de que se va a poder exhibir y la gente va a poder ir a los cines. Nadie va a querer producir a un tercio, con una persona cada cuatro butacas en las salas. La televisión sí, se está pensando. Puede cambiar mañana pero en este momento se está pensando en septiembre para poder volver a rodar”. —Mirando un poco la situación en nuestro país, en una entrevista en La 1110, el productor Quique Estevanez dijo que el actor argentino es caro, ¿qué pensás de eso? —No, no perdón, me van a tener que torturar antes de me oigan hablar mal de un actor en general o de un actor argentino en particular. En todos los países del mundo un producción local es más cara que una lata importada. —En la televisión argentina tienen mucho éxito las ficciones de Turquía o las novelas bíblicas que llegan de Brasil, ¿por qué creés que sucede este fenómeno? —Es esto que te decía, una lata argentina en Brasil es más barata que una novela hecha en Brasil, porque le tenés que pagar a más gente. Eso no es porque el actor argentino sea caro. En cualquier país, la producción local es más cara que la lata. Pero también sin producción local los países empiezan a perder su alma, su pasión, su cerebro. Las producciones locales, cuando la pegan, son las que tienen más éxito. Es fundamental, es el debate eterno de la cultura. —¿Te gustaría reunirte con el presidente Alberto Fernández, una vez que termine la pandemia, en el caso que convoque a gente de la cultura y el arte? —No, no. No creo que sea necesario. Creo que las cosas de la cultura las tiene que resolver las gente de la cultura y en mi caso, los programas que haga, los haré como los hice toda mi vida: conmigo y con mis allegados, no con los presidentes. ¿Qué le voy a pedir a un presidente? ¿ideas? Y no por una cuestión de partidismo, ya bastantes cosas tiene en su plato como para tener que ocuparse de qué programas quiero hacer. Aparte conmigo no se han reunido nunca en mi vida. INFOBAE 17 de mayo de 2020